Workshop: Kritik für das Kinder- und Jugendtheater

Ein kuratierter Workshop im Rahmen des ersten Teiles soll erstmals junge Journalist_innen für das Schreiben über Theater für Kinder und Jugendliche sensibilisieren.

Rote Bäckchen beim Kinderpublikum müssen immer noch als kritisches Kriterium herhalten, statt sich mit dem Kunstcharakter einer  Aufführung auseinander zu setzen. Im Workshop stehen daher zunächst einmal Fragen im Mittelpunkt, die sich mit der Geschichte des Kindertheaters beschäftigen und darüber hinaus wie seine Erzählweisen kritisch reflektiert und bewertet werden können. Dies wollen wir am Beispiel der Aufführungen des Festivals schreibend versuchen, um Kriterien für eine kritische Auseinandersetzung zu finden.

Leitung: Dr. Manfred Jahnke und Heinz Wagner

Luisa Lutter und Nina Litman, die beiden Teilnehmerinnen, verfassen zu den meisten der Stücke Kritiken und bearbeiten ihre Texte mit Manfred Jahnke und Heinz Wagner. Hier werden die von den beiden jungen Frauen verfassten Kritiken veröffentlicht – einige auf Deutsch, andere auf Englisch. Wir wünschen viel Freude beim Lesen.

 

Foto: Heinz Wagner
Foto: Heinz Wagner

A refugee story for nine year olds - How can this go right?

The refugee crisis is currently one of the most discussed, controversial as well as delicate issues in our society. Concerns and questions are after all on everyone’s lips and all over the media. How can we explain such an intricate and complex matter to younger generations? Problems appear already in the “world of adults” as truly overwhelming and too complicated to deal with. How can we thereupon communicate the refugee dilemma to children? Aren’t they entitled to know what is going on?

“Border-less” (Grenzen-los) is Theatre Traumbaum’s attempt to transmit and teach younger generations about these present-day issues. The dubious necessity as well as absurdity of borders between nations is particularly accentuated. Birgit Iserloh and Ralf Lambrecht, a talented, dynamic and well-rehearsed theatre duo, truly succeeded in communicating horrible and tragic realities in an appropriate manner, well tailored for younger audiences. It is worth noting that Iserloh and Lambrecht are not only the actors but also the directors, authors and stage setters of this impressive play.

The story of Frau Schutzke and Baythulla’s encounter was beautifully acted and absolutely captivating. Schutzke, portrayed by Iserloh, is a strict and narrow-minded German border guard. Order and regularity as well as protecting her idealised “here” from foreigners and immigrants from the frowned upon “there” are her first concerns. Baythulla, depicted by Lambrecht, is an Afghan refugee who fled from atrocities and political upheaval in his home country. His main priorities are in contrast to bring his beloved son in a country where  teachers do not get killed by rebels, where schools still exist and where Mustafa is not forced to join military forces. Germany is the idealised destination, the safe haven, considered as paradise on Earth. After a long, tragic and exhausting journey, Baythulla and Mustafa are finally and literally one step away from their dream, only one more border needs to be crossed. Frau Schutzke however seemingly denies their entry in the country. According to her (and unfortunately not only to her) immigrants steal jobs, ruin the nation’s economy while having no skills whatsoever. When both protagonists meet, opposites collide and Schutzke’s neat and orderly world is turned upside down. The touching and moving evolution of this character and shifts from rejection to tolerance and from absurdity to rationality are central themes of Border-less. With vividness and entertaining elements, the theatre duo succeeded in explaining the refugee problem in an affectionate and concrete manner. Iserloh and Lambrecht made it in front of a young audience clear why refugees come to Germany, which is in my view an undoubtedly tough challenge.

Our society’s oversimplification in the play left me however with a slight bitter taste in my mouth. Some statements, especially xenophobic arguments, stereotypes and prejudices were in my view excessively based on clichés and hence distorted the reality.

Border-less is apart from this an intellectually stimulating and optimistic play with high educational value. The actors’ immense physical commitment, creativity and energy were admired at Nenzing’s theatre festival. When I heard, as we all walked out of the Ramschwagsaal, a young girl whispering in her friend’s ear: “Borders are stupid, we should just abolish them”, I became fully convinced that the play attained its goal at Luaga und Losna.

Words by Nina Litman

 

Multitasking men

With extremely close attention to detail, meticulousness and precision but also with a lot of humour and wit, German theatre group Handgemenge performed Luaga und Losna’s highly anticipated grand finale. Expectations were throughout exceeded: Lord of the Railways (“Höchste Eisenbahn”) conjured a smile on everyone’s lips without any exception. The 28th edition of Nenzing’s theatre festival for young audiences could not have had a better ending.

“Men and their hobbies” - Lord of the Railways’ under title charmingly sums up what Handgemenge’s play is all about. With an over dimensional model railway (lifelike scale 1:22,5!) Peter Müller and Pierre Schäfer take us on a slightly different rail trip.

The play’s protagonists, Dirk and Uwe, are model railway builders at its best. Piece by piece, rail by rail and track by track they forged their very own railway paradise, a significant creation but also both adults’ shelter, pride and “Island in the sun”. Müller and Schärfer magnificently portrayed these passionate home constructors and hopeless perfectionists. Likewise both actors made proof of incredible and unbelievable multitasking as first-class acting, the railway’s construction, flawless imitations of train announcements and other related noises as well as the stage setting’s modification were simultaneously handled. The audience was truly drawn to the stage, children could barely sit still. I would not have been the slightest surprised if a young boy would have jumped on stage to join Dirk and Uwe. Theatre Handgemenge, based in Germany and performing worldwide, not only provided us a deep insight into model railways and pursuing treasured passions but also told along the way Hans Fallada’s children’s tale “Lieber Hoppelpoppel, wo bist du?”. Müller and Schäfer ingeniously applied Dirk and Uwe’s railway paradise as the story’s scenery. As follows, a beautiful merger and connection between seeming reality, fiction and fantasy was created.  Puns and witty allusions were also great fun, especially for adults who noticeably laughed even more than the younger audience in the Ramschwagsaal. With impeccable gestures and facial expressions, brilliant acting, superb shadow plays and remarkable uses of lighting, Lord of the Railways was without any doubt a stand out show at Luaga und Losna.

Along these lines and with a tremendous finale, Nenzing’s theatre festival for young audiences came to an end. From start to finish, performances were constantly of high standard and enchanted young and old, parents and their children, theatre amateurs and experts. From expeditions around the world, tales about cultural tolerance and refugees to model railways and not to mention adult males in bunny and ballerina costumes: There was always something for everyone. Luaga und Losna’s diversity was doubtlessly palpable and contributed immensely to the festival’s charm and beauty. Let’s hope that its 29th edition next summer will maintain this colourful variety and high profile.

Words by Nina Litman

 

Schwitters Auguste Bolte

Dadaismus kann und soll geradezu überraschen, zeitweise brüskieren oder die Menschen in ihrem eigenen Unverständnis zurücklassen. Wer zu viel rein interpretiert ist selber schuld und steht zum Schluss mit eigener Meinung alleine da, weil niemand anderes sich eine allzu große gebildet hat. Auguste Bolte von Kurt Schwitters wurde in diesem Sinne von dem Theater Wagabunt aufgegriffen und zu einem textopulenten Stück adaptiert. Die drei Schauspieler Anwar Kashlan, Robert Kahr und Wolfgang Pevestorf fordern viel von ihrem Publikum. Doch irgendwie auch wieder nichts, denn wer nicht mehr folgen kann, verschnauft zwischendrin und steigt an späterer Stelle wieder ein. Was bei der Inszenierung positiv heraus sticht, ist die Tatsache dass man jedoch stets wieder abgeholt wird, selbst wenn man den Faden verloren hat. Kann man ihn überhaupt verlieren, diesen sogenannten Faden, der einen leiten soll? Es gibt ihn zwar schon, doch ist jener in diesem Fall zum Ersten nicht rot, sondern wenn, dann ein sattes Pink und zum Zweiten ist er sehr verschlungen und ein Knäuel aus einzelnen Teilen, die aneinander geknotet wurden. Das Stück legt es auf äußerste Konzentration an. Möchte man alle Stilblüten der Sprache erhaschen, so ist erhöhte Obacht geboten. Diese wird gelegentlich bei der Flut an Text durch Satzhänger unterbrochen, was den gewillten Zuhörer leider aus dem Rhythmus bringt. Auguste Bolte, die sich nicht entscheiden kann wem sie auf offener Straße folgen möchte, löst auch beim Publikum Entscheidungshemmungen bezüglich des Stücks aus. Jeder für sich muss am Ende entscheiden was - und ob man etwas aus der Inszenierung nehmen kann. Über diesen Fakt hilft auch kein Plüschkostüm in Hasenoptik und ein Tütü in XL hinweg. Dass das Stück zudem ab 14 Jahre geeignet ist, mag eine optimistisch gedachte Entscheidung sein. Doch ist es dem Regisseur Stephan Kasimir zu Gute zu halten, dass er seinem jungen Publikum viel zu traut. Ein bisschen „Dada“ im Leben schadet schließlich nie und öffnet den Blick für Neues, ob nun mit pinkem Motiv oder nicht.

Von Luisa Lutter

 

Was weht denn da?

Gleich vorab und aus aktuellem Anlass: Den Kritikerinnen vom Luaga und Losna Festival geht noch lange nicht die Luft aus. Das Festival begeistert nicht  nur mit Produktionen aus dem deutschsprachigen Raum, sondern lädt Theaterkollektive aus der ganzen Welt ein. So kommt es, dass dieses Jahr auch ein Stück der Theatergruppe „Mali“ aus Russland vertreten ist. „Wo der Wind wohnt“ ist eine Aufführung, welche ohne sprachliche Mittel auskommt und auch an Requisiten nur wenig Bedarf hat.

Wir betreten das Foyer und werden sogleich von Glöckchenklängen empfangen. Ein leichter und feiner Einstieg. Die vielen Kinder, welche das Stück anschauen, werden aufmerksam und eine gespannte, vorfreudige Stille macht sich breit. Zu Beginn stehen drei Personen in verschiedenfarbigen Mänteln auf der Bühne. Sie leiten in die Thematik rund um den Wind mit vielen kleinen und ineinander greifenden Szenen ein. Das Material, welches zum Einsatz kommt, sind leichte Plastikfolien, die sich gut knautschen lassen und nur dezent rascheln.

Durch kleine Bewegungen wird Großes erzeugt: Dies geschieht auch bei einer der folgenden Szenen, in der durch einen kurzen Ruck die Arme zu einer wehenden Verlängerung ihrer selbst werden und die Darsteller, in einem Kegel aus schillerndem Licht gehüllt, auf den Zuschauerraum zukommen. Überhaupt spielt die Beleuchtung eine wichtige Rolle. Die Planen, aus welchen Taschen und Hemdsärmeln sie letzten Endes auch immer kommen, bieten eine fantastische Projektionsfläche und laden zum Träumen ein. Das Auge gleitet über ein Farbspektrum aus allerlei blau und rosa Tönen. Leichtfüßig werden zudem die Requisiten bedient und somit eine eigene Welt auf der Bühne kreiert. Diese nimmt uns mit zu verregneten Tagen, an denen man mit Gummistiefeln durch das Wasser waten oder sich einer Taschenlampe bedienen muss, da der Wind die düsteren Wolken so harsch voran treibt, dass der Himmel sich düster zuzieht.

Leider wird die Leinwand im Hintergrund nur bedingt in die Szenerie mit einbezogen. Ein großer, neonfarben leuchtender Baum kommt nur in kurzen Sequenzen vor, obwohl er einen eigenen Reiz ausübt und der Aufführung etwas zusätzlich Märchenhaftes verleiht. Doch genau darauf legt es das Theaterkollektiv an. Jede Szene wird nur angespielt, kurze Eindrücke vermittelt, um sogleich, wie der Wind es auch gerne tut, die Richtung zu ändern und eine neue Dynamik zu erzeugen. So kommt es, dass die Regisseurin Nadezhda Alexeeva uns auch in die Unterwasserwelt mitnimmt. In dieser weht kein direkter Wind, aber das Schaukeln der Wellen auf dem Wasser und das rhythmische Tanzen der Quallen im Meer verdeutlichen, dass auch hier alles in Bewegung ist.

Auch das Jagen nach Glühwürmchen im Wald wird durch das feine Spiel der drei Schauspieler Kristina Mashevskaya, Alexey Korshunov und Oleg Zverev zu einem Fest für die Augen. Das Stück eignet sich für alle ab dem dritten Lebensjahr. Die Kinder werden zum einleitenden Schluss der Vorstellung mit einbezogen und auf die Bühne geholt. Kleine Akteure, die sich dem Spiel völlig hingeben. Es werden wie durch Zauberhand bunte Luftballons auf die Bühne befördert. Für alle verbleibenden Zuschauer auf den Rängen wird auch dies eine Freude des Zuschauens und genauso galant wie das Publikum in den Saal gelockt wurde, wird es auch wieder heraus geweht. Jedes Kind erhält seinen eigenen flatternden Streifen, mit dem es Windmacher sein kann – was bei diesem sonnigen Wetter Groß und Klein gleichermaßen erfreut.

Von Luisa Lutter

 

Waking up the wind inside our soul

With wonderful shapes, colours, patterns and images, Russia-based Theatre Mali took Nenzing’s audiences on a unique and delightful expedition to find the wind’s home.”Where does the wind live” (Wo der Wind wohnt) awakened a multitude of sensations, emotions and feelings which cannot be summarised or classified. Theatre Mali enchanted us simply with the use of different sized scraps and pieces of plastic covers: Art, illusion or magic?   

Nadezhda Alexeeva’s wordless play is probably a textbook example that art does not need language. Theatre Mali’s performance was the ultimate proof that words and conversations can be as unnecessary as expensive accessories. Where does the wind live is thus another reminder that art and beauty can stem from the simplest things such as plastic for instance. Of course, this dull material alone would have not delighted us if there wouldn’t have been an excellent ensemble of actors on stage which radiated energy, passion and vitality. Harmony, reciprocity and synergies between the cast added enormously to the play’s charm and elegance. Facial expressions and body language were nothing else than impeccable. Kristina Mashevkaya’s playfulness, confidence and glow particularly stood out and need to be highlighted. Fascinating visuals, beautiful images and an always changing stage setting not only generated high aesthetic appeals but also sent my thoughts to a distinct world, to a different dimension. Because of the play’s colour and light intensity as well as the actors’ graceful movements, pieces and bands of plastic converted in my eyes into expensive strips of silk. Pollution and environmental matters immediately crossed my mind as well but these were eventually replaced by more positive thoughts, especially love, family and unison. I do not want to convey by this my personal feelings but rather the fact that Theatre Mali awakened such a broad spectrum of sensations not only in me but surely in the majority of the audience. Everyone has his or her own and unique interpretation of the play. This in turn makes Alexeeva’s play truly exceptional as everyone’s experience is distinct and special. In a similar vein, I furthermore believe that this Russian play embodies a perfect introduction to art and drama for very young audiences. Where does the wind live is however not just theatre for children but much more an adventure for the whole family, an ideal play for a family’s “first-trip” to the theatre.

Playfulness, colourfulness and innocence were as touching as imagination-stimulating. On this second evening at Luaga und Losna, Theatre Mali taught me that I do not need to search and pursuit the wind’s home. It is already inside of all of us, “inside of our soul”, we just need to find and access it to unlock its powerful potential… 

Words by Nina Litman

 

About hands, palms, fingers and fists…

With nothing more than his bare hands and different sized wooden eyes, Dutch performer Leo Petersen aka Lejo enchanted Nenzing with his unique performance Hands up!: An absolutely beautiful matinée and a true eye opener of how much can be portrayed and represented with the sole use of a man’s hands…

The second day at theatre festival for young audiences Luaga und Losna could have not started any better. In my eyes, Lejo’s contagious energy brightened everyone’s day. Hands up! truly exceeded all of my expectations. Petersen’s exceptional performance consisted of his very special and own created “hand puppets”, which depicted little authentic creatures with distinct characters. One adventure followed the other: From an opera-singing bird to an entire children choir including their conductor, leading to dynamic tap dancers as well as to a rowdy French bulldog and of course, my personal favourite, a nimble jellyfish in the deep wide sea. With his marvellous creations, Lejo introduced both adults and children to a sweet, mellow and bizarre world. Puppetry reached a new and throughout extraordinary dimension.

Not only impeccable staging and performance but also suitable music and sounds accentuated these little scenes and stories while conferring them humorous notes and deeper meanings. Lejo’s figures appeared so credible and believable that one easily forgot that these were merely two hands moving, climbing and descending between his “blue walls”. Petersen’s Hands Up!, which he conceived and always performs by himself, shed also light on his talent with rhythms and musical synchronisation. Even the smallest motion created the impression of meticulousness as every movement paired and harmonized with its accompanying sound. Elegant shifts and evolutions created beautiful as well as melodious flows from start to finish.

Lejo’s wordless performance left me speechless and enchanted me from the very first minute. I cannot stress it often enough but it never crossed my mind how much art and beauty can stem from only two hands. Intriguing shadow plays, the appropriate selection of music, noises and Lejo’s own charm and energy of course contributed to such a wonderful performance. My first and prevalent thought after the show was however that simplicity represents the key. Why do we need special effects, innumerable accessories or other complicated technical equipment, if the sole use of fingers, palms and fists can generate such a beautiful story, or rather such beautiful stories? It is exactly this absence of complication which created Hands Up!’s magic and exceptionality. Lejo’s piece is thus a real family show, accessible for anyone of any age as well as being entertaining for young and old.

The start of Luaga und Losna’s second day emphasized the festival’s high standard as well as its colourful artistic diversity. Excitement, energy and enthusiasm are not only palpable on stage but also in the rows of Nenzing’s Ramschwagsaal.  

Words by Nina Litman

 

Ich packe meinen Koffer

Wie schon in einem anderen gespielten Stückes auf dem Luaga&Losna Festival, ist es auch hierbei eine Art der Betrachtungsweise: Gehen Sie z.B. linksherum auf eine Person zu, so werden Sie diese in wenigen Metern erreichen. Doch wählen Sie den anderen Weg, welcher rechts herum führt, so würde man unweigerlich und notgedrungen einmal um die Welt  müssen und Sie, sagen wir einfach mal lapidar geschätzt, voraussichtlich 80 Tage an Zeitaufwand kosten. Dies ist natürlich utopisch und fernab der Realität, aber in einem anderen Kontexte ergibt es weit mehr Sinn. Was uns zu dem Stück „Um die Welt in 80 Tagen“ führt, welches vom Theater R.A.B. inszeniert wurde und mit drei Darstellern sämtliche aufkommende Rollen bedient. Das Abenteuer, welches frei nach Jules Vernes, in der Regie von Brian Lausund adaptiert wurde, nimmt uns mit in das 19. Jahrhundert, nach England, wo der reiche Phileas Fogg, hier vorzüglich dargestellt von Len Shirts, eine Wette in einem Club anstiftet und zu dieser im weiteren Verlauf auch selber antritt. Stets an seiner Seite ist sein getreuer Diener Passepartout, welcher mit charmanten,französischem Akzent von Jonas Schütte verkörpert wird und durch sein Spiel das Publikum in seinen Bann schlägt. Per Eisenbahn geht es über die diversen Grenzen. Ebenfalls stets mit dabei Franziska Braegger in Form der verschiedenen Grenzwächter, aber auch als Betrüger, der ihnen, egal wo das Duo ankommt, das Geld abluchsen möchte. Die Fahrt der Beiden endet jäh, als die Gleise in Indien im sprichwörtlichen Sande verlaufen. Sie müssen sich nach einem anderen Transportmittel umsehen und ehe man sich versieht, wird aus den vorhandenen Materialien auf der Bühne und mit den verschiedensten Elementen ein Elefant gezaubert. Sehr amüsant ist hierbei das Spiel zwischen dem Betrüger und PhileasFogg: Die Moneten aus der Tasche locken wird hier in dreister Form auf die Spitze getrieben.

Schaukelnd auf dem Elefantenrücken gilt es dann noch eine indische Prinzessin zu retten und so kommen sie irgendwann, den Koffer voll neuer Eindrücke und Erlebnisse nach New York, dank des Kapitän Nemos und seinem U-Boot. Allein bis hierher ist es ein Fest des Kostümschlagabtausches. Es wird auf so galante Weise vollzogen, dass es die Darstellung in keinerlei Weise unterbricht und obwohl es auf der Bühne und quasi vor den Augen der Zuschauer geschieht, bekommt man es kaum mit. Hierfür sorgen mehrere große, aufgeklappte Gepäckstücke, die vom Zuschauer abgewandt positioniert sind, sodass der Innenraum mit seinem Inhalt im Verborgenen bleibt. Die drei Schauspieler verwandeln den bespielten Raum wiederum in einen Koffer voller faszinierender und spannender Kunststücke und Accessoires, die sie immer wieder aufs Neue wie durch Zauberhand heraufbeschwören. Ganz besonders hervorzuheben sind die verschiedenen und zahlreichen Masken, welche teilweise groteske, aber auch skurrile Gesichter darstellen und zeitweise beeindrucktes Gemurmel im Zuschauerraum auslösen. Auch die Verwendung von Handpuppen und das akzentuierte Einsetzen von einer Videospielimitation sind sorgfältig eingebettet und an den betreffenden Passagen gut gewählt. Ansonsten begeistert ein vielseitige Mimikspiel der Darsteller von der ersten bis zur letzten Sekunde. „Dass die Arbeit am Stück stets im Kollektiv geschah“ wie der beteiligte Dramaturg Dr. Manfred Jahnke es sagt, sieht man auf der Bühne in Form der Abgestimmtheit auf einander und es erfreut einem beim Zuschauen. Man ist fasziniert und angetan von der Idee wie zwei, drei oder doch vier „Whiskey Speciale“ in einer Bar in der Unterwelt mit wenigen Hilfsmitteln so belebt dargestellt werden kann. Selbst ganz beschwipst, allein vom Verfolgen des Reisecountdowns, fiebert man dem Ziel entgegen. Dass dieses dann mit einem Augenzwinkern eingeläutet wird, verwundert nicht und gibt dem Stück die abschließende Würze.

Von Luisa Lutter

 

Handgewandt

Mit einem lauten Gong zu Beginn des Stückes wurde heuer bereits zum 28. Mal in das Theaterfestival Luaga und Losna gestartet. Den Auftakt machte hierbei dieses Jahr das Theaterensemble „Materialtheater“. Ihr Stück „Traumkreuzung“ läutete und leitete somit zu einer ganzen Reihe an Aufführungen ein, welche allesamt im Ramschwagsaal am Hauptplatz in Nenzing aufgeführt werden.

Das Kollektiv um den Regisseur Alberto García Sánchez nahm die Zuschauer mit auf eine fantastische Reise, bei welcher Traum und Realität ihre Grenzen auflösten und sich ineinander schoben. Die Protagonisten Elisabeth und Fazil, welche händisch von Sigrun Kilger und Annette Scheibler dargestellt werden, begegnen sich durch eine (Traum)-Reise und lernen so die Unterschiede ihrer beiden, einander fremden Welten kennen. Elisabeth ist ein junges Mädchen aus der Stadt, welches mit ihrer Mama zusammen lebt, zur Schule geht und bereits das ABC beherrscht. Das vorwiegend junge Publikum wird schnell in den Alltag des Mädchens hinein gesogen und erfährt von ihren Gedanken. Diese macht sie sich zum einen zu der Frage, warum eine gerade Strecke der schnellste Weg sein soll, um von A nach B zu gelangen – so wie sie es im Unterricht lernte und zum anderen bezüglich der Aufregung vor dem Mathetest, welcher  am nächsten Tag ansteht. In der Nacht vor dem besagten Test kann Elisabeth wie so oft nicht gleich einschlafen und bedient sich eines kleinen Tricks: In dem sie sich ganz schnell um die eigene Achse dreht, wird ihr zwar schwindelig, doch sie fällt müde zurück ins Bett und kann ihre Augen schließen.

Als sie diese am nächsten Morgen jedoch wieder öffnet, befindet sie sich am anderen Ende der Welt, neben einem Jungen namens Fazil. Dieser ist genauso verdutzt wie Elisabeth, doch die beiden nehmen ihre plötzliche Anwesenheit als Anlass, um sich einander kennen zu lernen. Fazil stellt Elisabeth seinen drei Schwestern und dem Vater vor. Wie gebannt hört Fazil zudem Elisabeth zu, wenn sie von ihrem Mathetest erzählt, welchen sie nun wohl unumgänglich versäumt und bittet sie ihm das Alphabet beizubringen. Fazil kennt eine Schule nämlich nur aus Erzählungen und obwohl er sich so sehr wünscht selber in eine gehen zu können, wird in dem Stück deutlich, dass er wohl nie die Möglichkeit dazu bekommen wird. Seine Familie und er leben in einem unbestimmten Land, weit ab von der Zivilisation und drei Tagesmärsche entfernt von der nächsten kleinen Ortschaft. Sein Alltag besteht daraus, Ziegen zu hüten, Wasser von der nächstmöglichen Quelle zu beschaffen und Steine vom Feld zu tragen, damit dort Korn für die Ernte gedeihen kann. Diese Steine werden von einem bösen und großen Monster namens “Krieg“ immer wieder dort und an vielen anderen Stellen abgeworfen.

Das brisante Thema, welches sich hierbei offenbart, wird dem jungen Publikum auf behutsame Weise näher gebracht. Krieg, aber auch Armut und Angst wird dabei unteranderem durch ein Ungetüm versinnbildlicht und bekommt dadurch ein Gesicht, dass mit Kinderaugen eingefangen werden kann. Aber Fazils Welt wird Elisabeth und auch dem Publikum noch auf eine andere, akustische Weise näher gebracht. Durch einfache, rhythmische  Klatscheinlagen mit viel Gesang und instrumentalen Klängen, welche von Daniel Kartmann stammen, werden die Kinder ebenfalls mit auf diese, etwas andere Reise genommen.

Das minimalistisch anmutende Bühnenbild fordert zudem die eigene Phantasie auf sich zu regen. So ist es den beiden Schauspielerinnen dadurch auch möglich mit bloßen Einsatz ihrer Hände und wenigen stilistischen Mitteln und Materialen die zwei kindlichen Charaktere zu erzeugen und zum Leben zu erwecken. Gefühle und Bewegungen werden auf simple, aber grandiose Art mit den Fingern erzeugt. Es entsteht eine Vorführung, die einerseits durch den sprachlichen Dialog an Intensität gewinnt und andererseits auf elegante Weise mit der Hand als Projektionsfläche  spielt. Was sich auch als praktischer Schachzug erweist: da diese anders als bei Handpuppen, gar nicht erst angezogen werden müssen, sondern viel mehr aufgemalt sind und sich nur durch die Farbe ihrer Näschen unterscheiden. Was die Beiden noch im weiteren Verlauf gemeinsam erleben, sei an dieser Stelle nicht vorweg genommen, genauso wenig wie die Frage, ob Elisabeth am Ende wieder nach Hause findet. Zudem macht diese liebevoll inszenierte Aufführung Lust, seine Handinnenflächen auf dem Nachhauseweg auf neue Weise zu betrachten.

- Luisa Lutter

 

Traumkreuzung, or the encounter of illusion and truth

With swift transitions between dreams and reality, true ingenuity and creativity, Ensemble Materialtheater’s Traumkreuzung created a magical world, a world in between which touched everyone’s heart and left no one unaltered: A truly excellent and very promising opening for Nenzing’s Theatre Festival for young audiences, Luaga und Losna.

Traumkreuzung tells us the story of Elisabeth, a young girl who wakes up one morning at the other corner of the world. Didn’t she fall asleep the night before in her own bed while worrying about the forthcoming and threatening Math exam? Instead of her mother’s car, three goats greet her in front of the window. Far and wide, there are no buses, taxis or any other way of getting back home. Fortunately Elisabeth’s new friend Fazil and his family are taking care of the young and confused child while treating her like one of their own. Divergent cultures, lifestyles and worldviews collide and the children’s dreams and realities intersect, leading to a profound and beautiful friendship between Fazil and Elisabeth. Through the magic of playing and under the artistic direction of Alberto Garcia Sánchez, the Ensemble’s actors forged a wondrous new world, a world in between illusions and truth, which can however only originate if different imaginations and fantasies cross. Seemingly improvisatory components as well as ease and effortlessness highly contributed to Traumkreuzung’s charm and grace. Sigrun Kilger, Annette Scheibler and Daniel Kartmann’s body language and tension need to be lauded as well. These talented actors did not only portray friendly narrators but also held a clear stance towards their humorously and witty told story. Honesty, morality and integrity were therefore particularly conveyed.

The stage setting was another proof for the Ensemble’s creativity and originality. Bendable colourful planks suggesting different spaces and countries as well as percussions, music bowls and a xylophone right in the middle of the set, generated high aesthetic appeals. Mesmerizing music, beautifully performed and composed by Daniel Kartmann, contributed to this wonderful atmosphere. Visuals and sounds flawlessly complemented one another.

Traumkreuzung’s topicality and relevance but also easiness and dreaminess left everyone in Nenzing’s Ramschwagsaal thoughtful and reflective. The play’s high educational value as well as its successfully transmitted message that cultures do not represent hurdles but rather serve as contributors to our Earth’s beauty, colourfulness and diversity, made me particularly happy as young schoolchildren built the majority of the show’s audience. I therefore believe that Traumkreuzung truly fulfilled its mission at Luaga und Losna. Aesthetics, musicality and talent but also intersections and different levels of dreams and reality formed a beautiful entity. Ensemble Materialtheater’s delightful piece not only advocated cultural tolerance and reminded young and old to embrace our world’s radiance and diversity but was also a brilliant start for Luaga and Losna and provided an exciting foretaste for what is yet to come…

 

KONTAKT:  Luaga & Losna

 

Johannes Rausch

Gamperdonaweg 2

A 6710 Nenzing

0043.5525.62575

contact@luagalosna.at 

 

Sabine Wöllgens

sabine.woellgens@luagalosna.at

 

 

INFORMATION, KARTENRESERVIERUNG

Festivalbüro

Stefanie Seidel

Gamperdonaweg 2

A 6710 Nenzing 

M: 0043 (0)699 - 134 06 558

stefanie.seidel@luagalosna.at

 

EINTRITTSPREISE

Tagesvorstellung € 5,00

Familien, SchülerInnen, ab 3 Personen € 4,00

Jugend360card € 4,00

Festival-Familienpass € 40

Abendvorstellung € 10 / € 8 

 

SPIELORTE Feldkirch

Pförtnerhaus,

Reichenfeldgasse 9

Theater am Saumarkt, Mühletorplatz 1

Antiquariat Chybulski, Bahnhofstr. 11

 

SPIELORTE Nenzing:

Ramschwagsaal, Ramschwagplatz 1

Artenne Nenzing, Kirchgasse 6 Festivalclub (Provinzwerkstatt), Gamperdonaweg 2